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Socióloga resgata o universo das mulheres artistas
que antecederam Anita Malfatti e Tarsila do Amaral

Mulheres

invisíveis

LUIZ SUGIMOTO

Os homens predominaram no modernismo literário brasileiro, mas na pintura modernista se destacaram Anita Malfatti e Tarsila do Amaral. Elas teriam sido, por isso, heroínas solitárias? Confiando na hipótese de que Anita e Tarsila não se transformariam nos principais nomes das artes plásticas sem uma tradição anterior de mulheres artistas, a professora Ana Paula Cavalcanti Simioni apresentou em agosto a tese de doutoramento Profissão Artista: pintoras e escultoras brasileiras entre 1884 e 1922, junto ao Departamento de Sociologia da USP. “Percorrendo os dicionários sobre artistas plásticos, tendo como ponto de partida a implantação da Imperial Academia de Belas Artes, em 1826, e como ponto final o ano simbolicamente sugestivo de 1922, cheguei a 91 nomes femininos. Mas, consultando fontes da época, em especial os catálogos das Exposições Gerais de Belas Artes, obtive a surpreendente marca de 212 expositoras no período, a maior parte delas até hoje desconhecida”, informa a socióloga.

Falando na Unicamp sobre essas “mulheres invisíveis” esquecidas na história da arte, a convite do Núcleo de Estudos de Gênero – Pagu, Ana Simioni ressaltou que no século 19 vingava o preconceito de que homens e mulheres eram seres biologicamente e intelectualmente diferentes. Os homens seriam providos de criatividade, capazes de grandes invenções, enquanto que as mulheres, embora mais sensíveis e detalhistas, possuíam faculdades apenas imitativas, sem a criatividade do “gênio”. “Esse tipo de pensamento se refletia nos julgamentos dos críticos de arte que tendiam a classificar a produção feminina mediante o rótulo de ‘amadoras’, rótulo perigoso na medida em que as colocava em uma situação de inferioridade com relação às obras feitas por artistas masculinos”, afirma a pesquisadora.

O segundo obstáculo enfrentado pelas artistas foi o da inacessibilidade à formação. Citando a autora feminista Linda Nochlin, a professora lembra que as principais academias de arte foram vetadas às mulheres ao longo dos séculos, o que contribuiu para a inexistência de “mulheres de gênio”. “Na base deste cerceamento institucional estava o estudo a partir do modelo vivo, considerado indecente para o sexo frágil. É uma questão importante, pois o conhecimento das regras anatômicas era essencial para retratar os heróis nas pinturas de história, o gênero mais nobre da hierarquia acadêmica”, acrescenta Ana Simioni. Depois da pintura de história, vinham o retrato, a paisagem, a natureza morta e as flores. Impedidas de buscar “a grande arte”, as mulheres tinham sua atuação limitada à “arte aplicada” das almofadas, rendas, bordados, flores artificiais.

Academias – Mesmo em Paris, capital artística da Europa, as mulheres só puderam ingressar na École des Beaux-Arts, a mais afamada academia internacional, a partir de 1897. Até então, as moças de elite recorriam a ateliês privados, que ofereciam aulas até com modelos vivos, desde que pagassem o dobro do que era cobrado dos homens. Foi assim que a Academie Julian, onde os mestres eram os mesmos da EBA, atraiu homens e mulheres de todo o mundo. No Brasil, até os tempos de República, a Academia Nacional não recebeu matrículas femininas. Em 1892, promulgou-se decreto facultando “a matrícula aos indivíduos do sexo feminino, para os quais haverá nas aulas lugar separado”. Mas até 1895 – quando 17 mulheres integravam uma turma de 84 alunos – a Academia não possuía ainda um ateliê exclusivamente feminino, como mandava a lei. “A mistura com os homens talvez explique porque as alunas não se inscreviam em disciplinas mais ousadas, como as classes de pintura e escultura, e mais particularmente as aulas de modelo vivo”, deduz Ana Simioni.

As pintoras

Abigail de Andrade, de Vassouras, foi a primeira mulher a conquistar uma medalha de ouro de 1º grau em um salão nacional, em 1884, mostra cuja importância pode ser medida pelo surgimento de nomes como Almeida Júnior, Rodolfo Amoedo e Belmiro de Almeida. “Mas isso não implicou que ela se fizesse conhecida nos livros de história da arte ou, ao menos, que fosse mencionada na sala consagrada à exposição de 1884, a última realizada no Império”, critica Ana Simioni. Sua trajetória foi subitamente interrompida, em 1888, quando Abigail engravidou de seu professor, Ângelo Agostini, homem casado e publicamente conhecido. Devido ao rumor do caso, refugiou-se com o mestre em Paris, perdendo o segundo filho logo após o parto. “Morreu em seguida e jamais se tornou um mito romântico ou símbolo feminista”, diz a autora da tese.

Entre todas as artistas do circuito acadêmico, a mais premiada foi Georgina de Moura Andrade, de Taubaté. Ela ingressou em 1904 na ENBA, onde conheceu o marido Lucílio de Albuquerque, adotando este sobrenome artisticamente. Freqüentou a École de Beux-Arts e a Academie Julian por cinco anos, trazendo ao Brasil o aprendizado de um estilo ainda original para os meios locais: o Impressionismo. Recebeu a medalha de prata em 1912 e 1914; em 1919, veio a medalha de ouro com a tela Família.

Georgina almejava conquistar o salão de 1922, consagrado ao centenário da Independência, ousando na pintura de história. Pelo que se sabe, Sessão do Conselho do Estado é a primeira obra de grandes dimensões e representativa de um evento grandioso realizada por uma mulher. Se a célebre pintura Independência ou Morte (1888), de Pedro Américo, é confundida até hoje como um registro fidedigno do rompimento com Portugal, a tela de Georgina, em oposição, retrata uma reunião do Conselho de Estado presidida pela princesa Leopoldina, ocasião em que efetivamente se decidiu o processo de independência. “Não é uma cena de tensão belicosa. Não há soldados, fardas ou armas. Afinal, não se trata de revolução, mas sim de um processo amplamente refletido e em nada impetuoso, no qual a mulher é a protagonista”, finaliza Ana Simioni.